「繪畫王子」拉斐爾：喚起人性美好

文 / 洛林（LORRAINE FERRIER）翻譯 / 陳遇

拉斐爾的作品《阿爾巴的聖母》（The Alba Madonna）細部，約1510年。油彩、畫板，140.34 × 15.88 公分。安德魯·威廉·梅隆收藏，國家藝廊，華盛頓。

美麗、善良、正義是神的榮耀，也是人的本性，而在拉斐爾的作品中更處處彰顯了這點。這就是為什麼拉斐爾的畫作在他逝世500年後的今天，仍然能夠啟發我們，並帶給我們希望。這也是為什麼拉斐爾的作品對我們當今的社會如此重要，他讓我們看到了事物美好的一面。

拉斐爾的畫作總能深入觀者的內心世界，帶領我們回到自己善良的本性。或可說，他的作品讓我們回想起自己最好的一面。

「拉斐爾透過代表善良本性的天使和我們產生聯結」，倫敦國家美術館負責16世紀意大利繪畫的策展人馬蒂亞斯·維維爾（Matthias Wivel）在2018年的演講《拉斐爾：文藝復興大師》中如此說道。

拉斐爾的作品具有這種神奇的力量，是因為他誠摯地描繪出了人性——不論是一張簡單的手稿或一幅成品皆然。所有人看過他的作品之後，都會不自覺地想要做一個更好的人。

拉斐爾, Raphael — 拉斐爾的作品《天彼家的聖母》（Madonna Tempi），1507-1508年。油彩、畫板，75 x 51公分。巴伐利亞國家繪畫收藏館，慕尼黑。

紀念拉斐爾

為了紀念拉斐爾逝世500周年，羅馬的奎里納勒博物館（Scuderie del Quirinale）策劃了《拉斐爾1520 -1483》特展。在這場百年一見的展覽中，共有120件拉斐爾的畫和84項其它作品，例如古羅馬文物、文藝復興雕塑、手抄本（手稿合輯）等，讓民眾得以深入了解拉斐爾和他的畢生之作。

該展覽展示了拉斐爾無與倫比的繪圖技巧和畫作，同時也囊括了他的建築設計稿和古文物收藏，就如16世紀藝術史學家喬爾喬·瓦薩里（Giorgio Vasari）所言——拉斐爾是一位「通才藝術家」。

奎里納勒博物館同時也和佛羅倫斯的烏菲茲美術館合作，前後共花了三年的時間籌備，其中亦包含了多位藝術領域的專家。兩位策展人Marzia Faietti和Matteo Lafranconi在Vincenzo Farinella和Francesco Paolo Di Teodoro的協助下，共同策劃了這場拉斐爾展。

許多展覽作品是從世界各國的著名機構借來的。其中有三幅拉斐爾的聖母像，更是在送往國外多年後，首度重回意大利：包含在華盛頓國家藝廊的《阿爾巴的聖母》；馬德里普拉多博物館的《玫瑰聖母》；還有慕尼黑老繪畫陳列館《天彼家的聖母》。另外還有兩幅拉斐爾的教宗肖像——《教宗朱利亞斯二世肖像》、《教宗利奧十世及兩位紅衣主教》——更是從來沒有同場展出過。

該展覽的另一項重頭戲是拉斐爾和友人巴達薩列·卡斯提里奧尼（Baldassare Castiglione）寫給教宗利奧十世的書信，信中解釋了拉斐爾的一項偉大計劃的宗旨，這是他在去世前幾個月開始著手進行的：分區重塑羅馬昔日光輝的考古計劃。

展覽特別安排從拉斐爾逝世的日子——1520年4月6日，依時序往回追溯，展出他人生中不同階段對藝術的追求——從羅馬到佛羅倫斯，從佛羅倫斯到翁布里亞（Umbria），最後再回到他的家鄉烏爾比諾（Urbino）。

在展場設計上，奎里納勒博物館更以拉斐爾生命的終點——羅馬萬神殿拉斐爾之墓的原尺寸複製品作為開場。上面雄偉的雕刻讓現場觀眾得以切身感受到，世人對拉斐爾在其生前、身後都致以非常高的敬意。

拉斐爾藝術之美

不論描寫的是高雅甜美的聖母或是身著華麗慶典服裝的教宗，拉斐爾的畫總能超越時空、文化和符號語言的間隔，讓每位觀者都能理解畫面的意涵。

教宗

先來瞧瞧拉斐爾的《教宗朱利亞斯二世肖像》。畫面的每一個細節都顯示了朱利亞斯是一位教宗。他坐在寶座上，穿著教宗的紅色天鵝絨袍和白色的綢緞或絲綢，手上戴著珍貴的珠寶。同時，在綠色的背景中我們還可以看到代表教宗的符號——教會的鑰匙，不過整幅畫讓人感受最強烈的卻是他這個人本身。

更仔細地觀賞這幅畫，我們可以看到朱利亞斯正陷入沉思之中，好像沒注意到我們一樣。他的嘴唇緊閉，若有所思的樣子，而且似乎不是很舒服地移動著坐姿。他的左手緊握著座椅扶手，像是在維持重心，而右手則輕輕地握著一條手帕。拉斐爾用這種形式讓我們認識這位羅馬天主教會的領導人物，就好像在提醒我們，儘管朱利亞斯貴為上帝在世間的代理人，但也和我們一樣是肉體之軀。

騎士

在《騎士之夢（赫拉克勒斯的選擇）》（又名《寓言》）中，拉斐爾詮釋了他父親為烏爾比諾公爵費德里科·達·蒙特費爾特羅（Federico da Montefeltro）所寫的一首史詩。拉斐爾的父親喬瓦尼·桑蒂（Giovanni Sanzio）是烏爾比諾宮廷的作家兼畫家，寫過關於希臘神話《十字路口的赫拉克勒斯》（Hercules，台譯海克力斯）的詩詞。根據倫敦國家美術館網站的解釋，桑蒂的詩是唯一描寫這位戰士睡著進入夢境中的版本。

在畫中，騎士西皮奧（Scipio）在月桂樹的樹蔭下睡著了，不知道他醒來時必須要做出人生關鍵的抉擇。他身體的兩側各站著一位女士：左邊是美德女神，右邊是享樂女神。拉斐爾將享樂女神描寫為溫和的誘惑；她的頭髮鬆垂、身著淡色衣服，並優雅地撩起衣服的一角。在另一幅畫中，拉斐爾將享樂女神畫成穿著低胸服飾，在這個版本中雖然沒有這樣表現，但是也非常恰當地傳達了享樂的惡習。享樂女神給予的是輕鬆和美麗的事物，而穿著樸素的美德女神提供的則是學習和勇氣——辛苦卻十分值得的未來。

聖母

再來看看拉斐爾最著名的聖母像。在《阿爾巴的聖母》中，畫面左邊那個姍姍學步的幼童就是後來的聖約翰，他散發出童子天真無邪的氣息。約翰朝向右上方，用期待的眼神望著聖嬰耶穌，後者幫他穩住了手中的十字架。

很顯然的，畫中的聖嬰耶穌具有超越年紀的智慧，他流露出一股脫俗又感傷的慈愛，因為他知道他在世上是有使命的。他的一隻腳探到地上，似乎暗示著他在世上，卻又不在世人中。

約翰穿著皮草保暖，而聖嬰耶穌卻不穿、也不需要世上的任何東西，除了教導世人追隨上帝。省去了羅馬的古典服飾，拉斐爾呈現給我們的是一幅全家福，一位溫柔的母親顧著幼童玩耍的景象。他畫出我們心中熟悉的景象。

拉斐爾在《阿爾巴的聖母》中描繪的是宗教題材，但在畫中（包含他的許多作品也一樣）首先散發出的，卻是一股在靈性與人性——神界與人世間相互和諧的張力。

精益求精

要達到藝術上的和諧幾乎是不可能的。看看拉斐爾的作品，我們會發現很多畫中的人物其實都被他修改過。在一些作品中，可以看到人物的頭部或手臂角度有微調的痕跡。這些修改都非常細微，卻讓最終畫面上所有人物和元素能夠連貫一致。如果把其中一個元素拿掉，整幅畫的構圖似乎立即就變得不協調了。這就是為何拉斐爾布置畫面人物的技巧如此出眾，在他著名的畫作《雅典學院》中也可以看到這一點。

西元1483年出生於烏爾比諾，拉斐爾從小就浸浴在藝術環境中。據說他的父親看到了他的藝術天分，決定幫他找一個學徒的位子。桑蒂拜訪了安德烈·德爾·委羅基奧（Andrea del Verrochio）的工作室，當時他的學徒中包含了著名的彼得羅·佩魯吉諾（Pietro Perugino）和列奧納多·達·芬奇（Leonardo da Vinci）。桑蒂選擇了讓佩魯吉諾教導他的兒子，儘管拉斐爾在父親過世前一直沒有真正開始學徒生涯，當時的他還非常年幼。

儘管拉斐爾11歲就成了孤兒，他卻已經從父親身上學到了良好的宮廷紳士風範，他的父親教導了他宮廷的人文思想。

1500年，拉斐爾年僅17歲，卻已經是公認的大師了。在聖彼得大教堂建築師多納托·伯拉孟特（Donato Bramante）的推薦下，教宗朱利亞斯二世在羅馬召見了拉斐爾。拉斐爾自此接替了伯拉孟特的工作。

拉斐爾十分敬仰同時期的兩位文藝復興大師——達芬奇和米開朗基羅。達芬奇比拉斐爾長31歲，米開朗基羅則長他8歲。以兩位前輩作基礎，拉斐爾將他們的技巧發展得更加精煉完善。

同時，他也緬懷過去古羅馬的藝術，及其內蘊的寧靜、美麗、平衡的崇高理想。他熱衷於保存這些藝術品，偏好嚴謹地修復文物，而不是像部分同時期藝術家一樣進行創新設計。

不過不僅於此，當時的人們總是一遍又一遍地讚揚拉斐爾的善良性格。和達芬奇、米開朗基羅孤僻的性格不同，拉斐爾不論在宮廷內或以外都受到大家的愛戴。

就如瓦薩里的評論，拉斐爾總是先為他人著想；如果有藝術家需要幫忙，他總是立刻放下自己的工作前去協助。瓦薩里甚至更直接地說，拉斐爾對待他工作室裡的匠人就像對待自己的小孩一樣，而他們似乎也相應地回報了他。「從來沒有人見過他獨自去宮廷，只要他走出家門，就會有五十多位才華洋溢的畫家陪伴著他，用以表示他們對他的尊敬。簡言之，他的生活其實不太像畫家，更像個王子。」

拉斐爾的善良來自於信仰，揮灑在他的畫作上。他的作品充滿著美，不僅是肉眼所見，更能讓人從心靈上感同身受。這也是為什麼拉斐爾的作品歷久不衰的原因——他用畫筆勾勒出了靈魂的語言。

《拉斐爾1520 -1483》特展將展出到6月2日。更多資訊請參閱這裡。

原文 How Raphael, ‘The Prince of Painting,’ Wholeheartedly Captured Humanity 刊登於英文大紀元。

責任編輯：茉莉

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2020年5月9日星期六